万尼亚

观剧之前并没有看过契诃夫的原小说，也没有看过之前《万尼亚舅舅》其它版本的话剧，所以这算是第一次和万尼亚舅舅的相遇。也很庆幸有这次相遇，应该会去补一下之前的话剧版本，也相信比这一版好得多的改编肯定不在少数。 所以，仅做一次普通观众的观影体验分享，不做任何比较，力求真实。 首先，独角戏难度很大。最大的难处就是瞬间转换角色人格和情绪，这将十分消耗演员的情感和体力。想象只有一个人和布景，没有对手引领情绪，没有可供参考和衬托的配角，所有一切都将由演员一人完成。他的内心需要极其丰富，同时又极其空旷，他既要作为水流，又要成为容器。而有能力的演员，可以做到在大厅灯光熄灭、舞台灯光亮起的一瞬间便完全沉浸入角色之中。 从演员角度看，安煮的演技全程在线。感受到他为每个角色都设计了一些特有的标志动作和说话方式，所以观看过程中大家可以明确分辨出谁在说话，哪个角色在行动。所以，虽然是独角戏，一人分饰多角，但观众能够明确角色，不会过于困惑和混乱。 这是让观众能够进入剧中的基础，这一基础在安煮的演技下完成了。即便我没有看过原著和任何改编，也能看懂故事，全程也没有感到不解。 在剧目后半段万尼亚舅舅泪眼婆娑之中，直到索尼娅喊了一声万尼亚舅舅，把吗啡给我，我才回想起，在剧目开篇，万尼亚进场时，手里握着一个类似于声音玩具的机器，发出十分戏谑不正经的笑声。 在最初，我认为他就是一个继承了姐姐庄园的纨绔子弟，玩世不恭的人。 可看到后半段我才发现，他原来在痛苦地为了所谓的崇拜的爱，在供养着一家人的生计，支撑着姐夫那幻影的电影梦，并努力工作尽力在维持父亲购买的庄园。因此，在万尼亚舅舅那些玩世不恭的举动之下，却是一颗无比痛苦、孤独、无助、脆弱又严肃的心。 真正严肃的人往往看似玩世不恭。 这颗摇摇欲坠的心，在姐夫说出卖掉庄园搬走的瞬间崩塌，他正在遭遇偶像的黄昏。他拿起枪，对着姐夫开了两枪，却没有射中。 此时，我第一次和万尼亚舅舅产生了心理共鸣： “我朝他开了两枪，我肯定是疯了，竟然一次都没有射中。” 而我多么希望，我射中了。 而现在这颗子弹被自己吞下了。 在剧中另一个让我感动的瞬间是万尼亚舅舅和姐姐的羁绊。虽然姐姐去世了，全程不在场，但通过音乐，通过那起伏的无人在弹的钢琴，通过他吟唱出或许是小时候和姐姐一起唱过的歌谣，通过独自打在他身上的那束光，姐姐总能回到他的身边。 生活或许终归是无解的，但还要继续。

看过NT Live两个版本的《万尼亚舅舅》。前一个是伦敦西区2020的复排，当时全球的剧院仍陷于被疫情熄灯的黑暗中，该剧的演员重回哈罗德·品特剧院，面对空无一人的观众席，录下这部契氏哀歌。由托比·琼斯（《哈利·波特》）饰演万尼亚、艾米·卢·伍德（《白莲花渡假村》）饰演索尼亚、罗莎琳德·以利亚撒（《流人》）饰演海伦娜、理查德·阿米蒂奇（《美国队长》）饰演医生，而在最新一版的《万尼亚》之中，这些角色全部由安德鲁・斯科特一人扮演。这一版独角戏的创意并非来自精心策划，而是斯特特在与编剧、导演沟通时算错了角色数量，导致他不得不与自己对戏，却意外造就了戏剧史形式与内容的完美同谋。契诃夫原作本不是情节驱动的戏剧，而是人性困局的静默解剖 —— 所有人在孤独中渴望连接，在绝望中假装体面，在时代褶皱里消耗未竟理想。而斯科特一人分饰九个角色的独角戏，恰以极致形式戳中原作核心肌理：我们每个人都是容纳所有他人的孤岛，所有疏离与共鸣，本质都是自我与自我的对话。 契诃夫的伟大，在于用松散日常织就“共通性困境”之网。19 世纪俄国庄园里，衰老的教授、绝望的万尼亚、隐忍的索尼娅，他们的痛苦非源于尖锐冲突，而是“无人理解”的永恒孤独与“渴望而不可得”的生命常态。斯科特的独角戏未稀释这份孤独，反而将其推向极致：一个躯体演绎所有爱恨嗔痴，让“咫尺天涯”的荒诞感令人窒息。无需换景与配角映衬，仅凭手势转折、语调微扬便完成角色切换，这种“自我对戏”的形式，暗合原作隐喻：人类所有关系，本质都是自我投射的镜像。 编剧西蒙・斯蒂芬斯的改编精准捕捉契诃夫的现代性密码。将背景迁移至当代爱尔兰，把文学教授改为过气电影导演，用现代口语替代古典台词，这些改动剥离时代外壳，让中年困顿、环境焦虑、爱而不得的核心主题，更直接击中当下观众。斯科特的演绎未刻意区分性别特质，聚焦角色内心本质：海伦娜的虚荣是对存在感的渴求，万尼亚的尖刻是对自我价值的否定，索尼娅的隐忍是对希望的执念。这打破了身份政治桎梏，回归戏剧“共情”本真 —— 正如他所言，“转化力与代表性同等重要”，表演的本质不是复刻身份，而是唤醒共通的情感记忆。 极简舞台堪称点睛之笔。没有繁复道具，仅一张桌子、几把椅子与一架象征亡姐灵魂的自动演奏钢琴，“减法设计”迫使观众聚焦表演本身。当斯科特在秋千上快速切换对话，用站姿区分角色，在终场独白中流下不分归属的泪水，观众感受到的不仅是演技震撼，更是灵魂共振。契诃夫信奉戏剧应如生活般自然，而斯科特的表演正是这种质感的极致呈现：他不是“扮演”角色，而是让角色在身体里自然流淌，让遥远人物变得触手可及。 关于“角色深度是否被形式削弱”的争议，实则颠倒了原作精髓。契诃夫笔下的角色本就矛盾模糊 —— 万尼亚既可悲又可憎，海伦娜既迷人又空洞，索尼娅既可怜又坚韧。斯科特的快速切换虽未给每个角色充足刻画时间，但这种“浅尝辄止”恰是深刻：人生本无足够时间理解他人，所有相遇都是浮光掠影，所有共情都是点到即止。那些留白让观众完成自我投射，正是戏剧最珍贵的“参与感”。 从工作坊的意外实验到全球巡演的盛况，斯科特版《万尼亚》的超越“改编”的范畴，直抵艺术本质。它证明经典的生命力不在于复刻，而在于与当下观众对话；舞台艺术的可能性不在于技术繁复，而在于用纯粹表演唤醒共通情感。 契诃夫的戏剧没有标准答案，只有无尽追问：如何在孤独中自处？如何在绝望中寻找意义？如何在不可得的爱中保持温柔？斯科特的独角戏给出诗意回应—— 所有答案都藏在自我对话里。当舞台上的他走完所有角色的旅程，在灯光下回身到他本人时，我们看到的不仅是表演的卓越杰出，更是人类灵魂的完形：我们每个人都是自己生命里的“万尼亚”与“海伦娜”，所有挣扎与和解，本质都是自我与自我的共振。（149）

（写在前面： 我感觉我完全无法抵抗Andrew Scott任何有爆发力的演出，Vanya就是其中之一，我总是被完完全全地震慑住。平心而论aoustrangers我的给分就没有那么高，但是Vanya绝对是安煮在神父以后最值得观看的又一作品。） 可能光看剧照，角色之间的差异并没有特别显著，可一旦你开始进入Andrew Scott的表演世界，你马上被带进他的角色观察，你知道他为每一个角色赋予的面部肌肉调度，下意识的微小动作，并不刻意又全然distinctive的嗓音区分…你会想起这就是Andrew Scott，你只要观看他的表演，就会下意识地跟随他的引导，你会想为何这时他比起照片更有魅力？因为他就是动态的绝对支配者。看伦敦生活时也是，他总是不起眼地出现，似乎没什么吸引力，可是你就是不由自主地慢慢认为他符合最标准的完美审美。 独角戏的魅力在于节奏，所有的对话，独白，留白的时间都掌控在performer手里，这是最有挑战性的任务，不成功便成仁。独角戏是能彻底让人了解演员对整部戏的掌握和理解程度的，是完完全全的个人表达。看安煮的万尼亚独角戏，就好像在和他一对一交流，他如何理解脆弱？如何理解希望？如何理解爱情？如何理解道德？他所认为的悲伤所认为的情感关系所认为的性是如何表达？不管是不是他的粉丝，都能触摸、联结他不留余地的袒露。 （以下有剧透） 除去主要几个角色的表达，我竟然特别地喜欢他在演玛丽娜和利亚姆之间的谈话的片段。安煮在处理麻子脸的时候安排了一种很可爱的表情，看起来天真无知又悲伤，他们俩之间的关系是全戏最单纯的，所以喜剧的部分大都出自其中，很可爱很dramatic 我感觉万尼亚独白的时候最接近安煮平时的表演状态，脆弱，处于思考，不断反思，冷眼旁观的状态。迈克尔讲地图那段特别神圣，可能因为这个角色自然带有某种很宏大的自然感，就有点像神父布道… 为什么没有人提起安煮唱歌的那一段这首曲子的半音他唱得太诱人，太忧伤，太心碎，又拥有着森林里的一束光般的希望。sex的戏…我现在满脑子只有安煮的完美肩部肌肉和背部肌肉但他真的处理得太好，包括很多动作戏，手的互相拉扯，抚摸，酒瓶的推拉，他的独角戏不仅角色区分处理得很明显，转换很自然，更多的是对手戏的编排，他并没有让角色独立开，而是把所有动作合并在一套的肢体控制中….他不只是在表演角色，他在表演整个scene，如同一个完美的雕塑，he is a great masterpiece… 这部戏演到最后感觉安煮的体力都被耗尽了..他头发湿漉漉的，眼睛湿漉漉的，眼眶全是泪水，然后他站在那里说这关于生活，关于宇宙，关于幸福的台词，感觉他的灵魂在燃烧…太伟大了，我真的觉得所有人都应该去看…包括后面的独白改了万尼亚舅舅原剧本的台词，更加现代性地美，充斥着意象，一种更加辽阔唯美的希望感。 一些备注：红手帕（毛巾？）——索尼娅，网球——迈克尔，墨镜——万尼亚，秋千——海伦娜（有一幕换角色的时候安煮很流畅地走过去轻轻踹了一下秋千让秋千晃起来真的太流畅了流畅到我感觉观剧高潮..）